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Odysséas, nuovo album dei Syndone, band torinese di impronta progressive nata alla fine degli anni ’80 e ricostituitasi dal 2010, dopo un periodo di separazione, si presenta come un progetto ambizioso e nel solco dell’idea tipicamente prog del concept album, grazie anche all’efficace collaborazione con la Fading Records/Altrock.

I Syndone sono un trio molto particolare, con la voce di Riccardo Ruggeri (autore anche dei testi), il vibrafono di Francesco Pinetti e le tastiere di Nik Comoglio, che è il vero fondatore e artefice del gruppo. Per quest’ambiziosa impresa il terzetto ha deciso di farsi affiancare da un paio di guest artists molto particolari.

Si tratta di Marco Minnemann, un batterista tedesco che vanta innumerevoli collaborazioni (da Steven Wilson, il grande leader dei Porcupine Tree, ad Adrian Belew, uno dei “motori” dei King Crimson, fino a The Aristocrats, Levin e Rudess, Paul Gilbert, Joe Satriani, Necrophagist, Tony MacAlpine, ecc.) e che ha offerto la sua maestria a tutti i brani, diventando quasi un quarto componente della band. Il secondo ospite che ha donato il suo talento a questo album è John Hackett, fratello del notissimo chitarrista Steve Hackett, una delle anime dei Genesis e supremo alfiere del progressive con una prolificissima carriera solista. Hackett junior, flautista di formazione classica e progressive insieme, compare in una sorta di raffinatissimo cammeo nel brano “Penelope”, conferendogli un’atmosfera oscillante tra il barocco e l’ambient music.

Musicalmente il disco si presenta come un tipico prodotto progressive, ma con spunti di originalità e di ricerca peculiare che lo rendono estremamente interessante. Anche la produzione ha notevolmente contribuito al risultato espressivo, grazie al sapiente connubio delle tecnologie digitali più avanzate con strumenti elettronici di tipo analogico, che oseremmo definire “vintage” (come il mitico organo Hammond e il Minimoog).

Peraltro, lo stesso Comoglio in un’intervista ha dichiarato che “è fondamentale in tutti gli stili musicali guardare sempre avanti e cercare in tutti i modi di progredire il più possibile. Unitamente alla ricerca del nuovo bisogna onorare le radici della musica che tentiamo di modernizzare”. Ed è nell’equilibrio tra tradizione e innovazione che più risalta la cifra stilistica musicale del disco, con un cantato emozionante, ma senza scadere nel melodrammatico o nel “bombastico”, e un uso delle percussioni all’avanguardia a cui fanno contrasto i suoni più usuali delle tastiere. Su di essi si innestano anche suoni di stampo mediterraneo, grazie agli ottoni, agli archi e a vari strumenti a corda suonati da vari sessionmen, in conformità allo stesso nucleo tematico del disco.

Brilla per la sua assenza la chitarra elettrica, vezzo singolare che forse riconduce a certe scelte anticonformiste e anti-mainstream del rock di alcuni gruppi progressive dei primi anni ’70 (tra cui perfino, per alcuni brani, i Van Der Graaf Generator).

Dal punto di vista del contenuto e delle tematiche, il disco si incentra sul viaggio di Ulisse, le cui tappe vengono narrate lungo tredici brani, per oltre cinquanta minuti di musica.
Il tema del viaggio coincide con la tensione verso l’ignoto e con la sete di esperienza e di scoperta. Non dimentichiamo tra l’altro che in tedesco esperienza si dice Erfahrung, parola che contiene la radice del verbo fahren, viaggiare, come ben sanno i lettori della Fenomenologia dello spirito di G. W. F. Hegel, denominata anche scienza dell’esperienza della coscienza, a sottolineare come la coscienza sia in grado di compiere dentro sé stessa un metaforico e mistico percorso di scoperta non meno avventuroso di quello fisico.

Come si legge nelle note di copertina, “sembra che l’inarrestabile cieca corsa per scoprire ciò che si nasconde dove l’occhio non può vedere prenda a volte i tratti della schizofrenia; quella stessa patologia che forse generava le voci degli dèi dell’Iliade e dell’Odissea, che spingeva nell’intimo gli eroi a non sentire più dolore, fatica e paura, che metteva in ginocchio l’amore piegando l’anima alla sopportazione e che faceva progredire l’uomo verso l’infinito”.

Perché il viaggio si identifica con l’essenza dell’uomo, ed esprime anche la tensione verso la ricerca e la sperimentazione che sono sempre state l’anima del progressive. E in effetti, lo stesso tema di Ulisse, così caro alla letteratura occidentale (da Omero a Dante, da Joyce a Bridges, da Tennyson a Borges) e alla musica cosiddetta “colta” (si pensi a Il ritorno d'Ulisse in patria, opera di Claudio Monteverdi, o all’Ulisse di Luigi Dallapiccola) trova anche nella musica progressive (e pop-rock in generale) numerosissime riprese e citazioni. Si pensi solo a "Tales of Brave Ulysses" dei Cream; a "Formentera Lady", brano dei King Crimson, dall'album Islands, con testo di Peter Sinfield, dove compaiono le figure di Ulisse e della maga Circe; a "The Siren Song" dei Van Der Graaf Generator, con testo di Peter Hammill, dove si allude alla resistenza di Ulisse al canto delle sirene; alla canzone "Odýsseus" di Francesco Guccini; al concept album Ulisse della Premiata Forneria Marconi (forse il più immediato antesignano del presente disco).

Il disco esordisce con lo strumentale "Invocazione alla Musa", dai toni caleidoscopici e variegati: ci sembra di essere proiettati in atmosfere di derivazione jazz, o meglio fusion, con echi che rimandano ai Gentle Giant e, nella parte conclusiva, a quanto di meglio hanno fatto gli Emerson, Lake & Palmer.

Il secondo brano, "Il tempo che non ho", vede l'esordio della voce, con un cantato che ricorda Le Orme, con Ruggeri che fa del suo meglio per emulare Aldo Tagliapietra. Dopo un'introduzione di chitarra acustica, il brano si evolve mescolando abilmente elementi sinfonici e folk, fino a declinare in un progressive che ricorda le canzoni più cesellate dei primi Genesis.

Degli altri brani, oltre al citato "Penelope", con il flauto di John Hackett e alcuni delicati assoli di pianoforte, ci sembrano ben costruiti "Focus" e "Circe", che testimoniano la perizia strumentale e il connubio tra rock e jazz che il gruppo è riuscito a creare.

Notevole il brano "Ade", dove nei testi si intrecciano echi sia di Omero, sia di James Joyce ("guidami Caronte giù, che arrivi Mr. Bloom [...] l'ombra di Tiresia torna giù/ora è chiaro quello che sarà di me). Il brano si apre con un tappeto di tastiere, che lo mantengono in un'atmosfera sospesa, finché non fanno il loro ingresso i vari strumenti che imprimono al tutto una forte ritmica, quasi con una jam session stile fusion.

Infine, in "Vento avverso", Ruggeri piega la sua voce dirigendosi verso territori solenni ed enfatici, avvicinandosi e rendendo quasi omaggio al compianto Francesco Di Giacomo, il grandissimo vocalist del Banco del Mutuo Soccorso. Non a caso il brano si apre con effetti sinfonici, a cui fanno da contrappunto accordi di piano più tenui, fino ad aperture vocaliche di stampo quasi operistico, che conferiscono all'insieme una particolare evocatività.

Degno di nota è anche l’artwork della copertina (che illustra un raffinato digipack), raffigurante un olio su tela, “A Oriente”, dipinto nel 1979 dal pittore piemontese Lorenzo Alessandri, uno dei pionieri del surrealismo italiano. Nel quadro si vedono tre uomini-uccello (chiamati Bedu) vestiti con un saio rosso e con zoccoli biellesi ai piedi, che contemplano il mare in silenzio, enigmatici e quasi estranei l’uno all’altro, ma nello stesso tempo uniti mentalmente verso un ideale comune.

Sottolineiamo infine che il libretto contiene anche le traduzioni di tutti i testi in inglese, benché il disco sia cantato in italiano, cosa che attesta la proiezione (e le ambizioni) internazionali del gruppo. In conclusione, un disco di rara potenza creativa, suonato e cantanta con abilissima perizia tecnico-strumentale, sostanziata da un entusiasmo e una passione oggi ben rari nel panorama massificato della produzione discografica.